Казимир Малевич — биография и картины. Подробная биография художника-авангардиста Малевича Каземира Севериновича, в каком стиле работал, что такое супрематизм в живописи. ТОП-20 знаменитых работ Малевича с названиями и описанием.
Каземир Северинович Малевич: биография художника
Имя Казимира Малевича, пожалуй, знакомо если не каждому, то точно каждому третьему человеку в нашей стране. Одни только споры о его «Черном квадрате» чего стоят! Кстати, они не утихают до сих пор, а иногда, пылают еще ярче, чем во времена самого художника и его современников.
Однако, мало кто знает, что Малевич писал картины в разных стилях: импрессионизм, кубизм, неопримитивизм – все эти стили когда-то были интересны художнику. Но, как это часто бывает с творческими личностями, ни один из стилей не отражал то, что чувствовал и хотел показать художник, поэтому он изобрел новое направление в искусстве – свой стиль и назвал его супрематизм. Позднее идеи стиля также стали использоваться в дизайне, архитектуре, кинематографе.
Как так получилось, что обычный мальчик, росший в украинском селе, стал всемирно известным художником-авангардистом, чьи идеи и взгляды до сих пор будоражат умы людей искусства и простых зрителей, не знакомых с историей искусства?
Детство и юность
Казимир Малевич родился 11 февраля 1879 года в городе Киев. По мнению искусствоведов, его родители были по происхождению поляками. В семье сохраняли польские традиции и язык. При получении документов Малевич указал национальность поляк, хотя сам всегда считал себя украинцем. Семья жила в украинском селе. До 12 лет в Винницкой области, затем переезжали в Харьковскую, Черниговскую и Сумскую области.
С 1895 по 1896 годы посещал Киевскую рисовальную школу Н. И. Мурашко, получая азы образования рисовальщика. По воспоминаниям художника, первую картину маслом он написал в 16 лет в 1894 году. Картина была названа «Лунная ночь», на ней была изображена лодка у берега и Луна, отражающаяся от воды. Один из друзей Малевича без его ведома отнес картину в магазин, где ее купили за 5 рублей. Местонахождение этой картины до сих пор не известно.
В 1896 году семья Малевичей переезжает в Курск. Здесь юный Казимир идет работать чертежником в управление Московско-Курской железной дороги. В свободное же от нелюбимой работы время он занимается живописью.
В 1899 году женится на Казимире Ивановне Зглейц. Через пять лет в 1904 году Малевич решает переехать в Москву, но его жена против, так как он собирался оставить ее с детьми в Курске.
Покорение Москвы
Уехав в Москву, Малевич подает прошение о приёме в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Ему отказывают. Тогда он уезжает в Лефортово жить в коммуне художников, так как назад к жене и детям он ехать не захотел.
Весной 1906 года, когда у Казимира кончились деньги, ему пришлось вернуться домой, в Курск, к семье и на прежнюю работу чертежника. Летом того же года он снова подает прошение в училище и ему снова отказывают.
В 1907 году в Москву едет мать Малевича Людвига. Она устраивается работать заведующей столовой и снимает квартиру из пяти комнат. После чего посылает невестке письмо, приглашая их с мужем и детьми переехать к ней. Так Малевичи переезжают в Москву и живут все вместе.
С 1907 по 1910 годы Малевич работал в студии. Он посещал школу-студию Федора Рерберга, изучал историю живописи и пробовал новые художественные техники. В поисках собственного стиля художник подражал манерам рисования известных мастеров. В это время он создал несколько ранних картин на религиозные темы: «Эскизы фресковой живописи» и «Плащаница» — и картины в стиле импрессионизм «Портрет неизвестной из семьи художника» и «Пейзаж с желтым домом (Зимний пейзаж)».
Спустя какое-то время личная жизнь Малевича с женой разладились, и она уехала с детьми в село в Московкой области. Она работала фельдшером в психиатрической лечебнице, пока не уехала оттуда с врачом, оставив детей сотрудникам больницы.
В 1907 году Малевич принимал участие в XIV выставке Московского товарищества художников. Познакомился с Михаилом Ларионовым. Малевич забрал своих детей из больницы, где они жили у заведующего. А заодно познакомился с Софьей Рафалович (она была дочерью этого управляющего), которая стала его женой в 1909 году, после развода с первой женой.
В 1910 году принимает участие в первой выставке «Бубнового валета» — творческом объединении русских художников раннего авангарда. После этой выставки он пишет свои первые авангардистские картины: «Купальщик», «Садовник», «Мозольный оператор в бане» и «Полотеры».
Тогда же он создает свою первую крестьянскую серию работ. Ранние полотна этого цикла — «Жница», «Косарь», «Крестьянка с ведрами и ребенком», «Уборка ржи» — художник выполнил в духе неопримитивизма. Фигуры крестьян были специально увеличены, упрощены и искажены.
Завершающие же эту серию работы были написаны в кубофутуристическом стиле: «Женщина с ведрами», «Утро после вьюги в деревне», «Голова крестьянской девушки».
Рождение супрематизма
Спустя несколько лет Малевич присоединяется к петербургскому творческому объединению авангардизма «Союз молодежи». Это были русские авангардисты. В то время денег у Малевича было очень мало, на холсты не хватало, и он использовал мебель. Так на трех полках этажерки художник написал полотна «Туалетная шкатулка», «Станция без остановки», «Корова и скрипка».
Последнюю работу он написал в стиле, который называл «алогизм». Это была протестная работа против традиционного искусства. Художник соединил в одном полотне сущности, которые по законам классической живописи были несовместимы: корову и скрипку. Он сделал акцент на цвете, линиях и их взаимодействии друг с другом.
Тогда же «Союз молодежи» ставит футуристический спектакль «Победа над солнцем». Малевич продумал освещение, создал декорации и эскизы костюмов. Он вспоминал, что во время работы над спектаклем даже придумал новые революционные картины. В 1915 году Малевич участвует в Первой футуристической выставке «Трамвай В», где представляет 16 своих работ, выполненных в кубофутуристическом стиле. Но на одной из картин, «Композиции с Моной Лизой» (название картина получила позже), уже появились черты нового стиля: глубокий белый фон, цветные геометрические фигуры и их особое расположение относительно друг друга.
После выставки в планах у Малевича уже была подготовка к новой выставке. Он начал развивать свой собственный, новый стиль абстракций и абстракционизма: беспредметные цветовые фигуры на белом фоне. Это художественное направление Казимир Малевич основал вместе с Велимиром Хлебниковым и Алексеем Крученых назвали супрематизмом, что в переводе означало «превосходство».
Основы нового стиля Малевич описывал так: это переход к новому беспредметному творчеству, где цвет важнее остальных сторон в живописи. По мнению Малевича, в новом стиле, художники должны не копировать то, что видят, а создавать собственный художественный мир. Основой для выражения таких миров стали три геометрические фигуры – круг, квадрат и крест. Эти формы и составляли содержание его последующих супрематических работ.
Все эти принципы Малевич изложил в брошюре «От кубизма к супрематизму. Новый живописный реализм», которую представил вместе со своими новыми картина на Последней футуристической выставке «0,10» в 1916 году.
Были представлены такие работы, как «Дама», «Автопортрет в двух измерениях», «Живописный реализм футболиста — Красочные массы в четвертом измерении». Центральной работой стал «Черный четырехугольник» («Черный квадрат»).
И, как это часто бывает, новые идеи художника не встретили с энтузиазмом (мягко говоря). Ему запретили называть супрематизм одним из направлений футуризма. На выпады критиков, защищавших традиционное искусство, Малевич парировал: «Привыкшим греться у милого личика трудно согреться у лица квадрата». Он считал, что его работы – это здоровая форма искусства, и что их нельзя оценивать просто с точки зрения нравится/не нравится.
Как бы там ни было, его первая персональная выставка состоялась в 1919 году и называлась «Казимир Малевич. Его путь от импрессионизма к супрематизму». Художник выделял три стадии супрематизма: черную, цветную, белую. На черной стадии Малевич исследовал формы и их соотношение, на второй – цветов, а на последней, белой, фактур.
Черная стадия представляла триптих: «Черный квадрат», «Черный крест» и «Черный круг». Цветная стадия начиналась с «Красного квадрата», а завершалась картинами «Supremus № 56», «Supremus № 57» и «Supremus № 58». Белая стадия супрематизма обозначала серию полотен «белое на белом».
Сложный творческий путь Казимира Малевича
Когда очень смело и громко заявляешь о новом стиле в живописи, особенно если приверженцы традиций никуда отступать не собираются, не стоит ждать, что вся братия художников примет тебя и побежит рисовать черные квадраты. Творческий путь Казимира Малевича не был так прост, какими могут показаться его картины на первый взгляд.
Новый стиль поменял не только живопись художника, но и его мировоззрение, он разработал собственную философскую теорию. Переехав в Витебск в 1919 году, Малевич написал большой теоретический труд – «О новых системах в искусстве», а спустя три года, трактат «Супрематизм. Мир как беспредметность».
После этого у Малевича появились последователи. Они создали «новую партию в искусстве» — УНОВИС (Утвердители нового искусства). В этом объединении также состояли Лев Юдин, Николай Суетин, Вера Ермолаева, Лазарь Лисицкий, Нина Коган. Вместе они оформляли городские праздники, проектировали мебель и посуду, рисовали плакаты и вывески – создавали «утилитарный мир вещей» в стиле супрематизм.
Но в 1922 году объединение распалось, так как советское искусство взяло антиавангардный курс, и условия работы резко ухудшились. Тогда же Малевич уезжает в Петроград из Витебска. В 1927 году Малевич совершает свою первую и последнюю поездку за границу, ради выставки своих работ. Там же он получает приказ от правительства вернуться в СССР. Его обвинили в шпионаже и арестовали на несколько недель.
После этого Малевич, вернувшись домой, стал готовиться к персональной выставке в Третьяковской галерее. Так как большинство его работ осталось зарубежом, ему пришлось писать картины заново. Спустя годы негатив и гонения со стороны власти на Малевича только усилились: так, после персональной выставки в 1930 году в Киеве, его обвинили в антисоветской пропаганде и арестовали на три месяца.
После произошедших событий художник закончил второй, крестьянский цикл картин в постсупрематическом» стиле — сам автор называл его «супрематизм в рамках человеческой фигуры». На полотнах фигуры крестьян были плоскими и располагались фронтально, а вместо лиц была белая или черная пустота. На обороте одной из работ автор написал: «Композиция сложилась из элементов, ощущения пустоты, одиночества, безвыходности жизни».
Спустя два года в 1932 году, творчество Малевича, в который раз, меняется: он начинает писать портреты. В его работах соединяются супрематизм, традиции русской иконы и эпохи Возрождения. К этому периоду относятся полотна «Голова современной девушки», «Работница», «Портрет жены художника: Наталья Андреевна Малевич, урожденная Манченко», «Автопортрет». Вместо подписи мастер рисовал на них черный квадрат.
В 1933 году у Малевича обнаружили рак. Болезнь была тяжелой, и 15 мая 1935 года Казимир Малевич скончался. По завещанию, после смерти тело Малевича полагалось поместить в супрематический гроб в форме креста, с раскинутыми руками. Организаторы похорон, вопреки завещанию, заказали гроб прямоугольной формы, оформив его в духе супрематизма. Тело перевезли в Москву, где кремировали в Донском крематории. Урна с прахом похоронена под любимым дубом художника близ села Немчиновка в Московской области.
Казимир Малевич: самые известные картины с названиями
Самое знаменитое произведение русского авангарда. Это первый и самый известный квадрат, который был написан для выставки футуристов в 1915 году.
Существует множество версий, что хотел сказать художник своим произведением. В чем была суть квадрата Малевича? «Черный квадрат» — манифест супрематизма и самопровозглашенный эталон пресловутой «новой искренности» — был не случайно повешен Малевичем в красном углу. Он стал главной (вернее сказать, единственной) сенсацией выставки «0, 10», рассорил Казимира Севериновича с большинством коллег, сделал его одновременно мессией и парией, разделил реальность на «до» и «после».
И это было только началом феномена квадрата. Всего существует четыре черных квадрата. Эти работы Малевича отличаются рисунком, фактурой и цветом. Картины хранятся в Русском музее, Эрмитаже и ГТГ. Есть также и другие цвета квадратов.
Красный квадрат (женщина в двух измерениях), 1915 год, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина написана для выставки футуристов «0,10». По одной из версий, красный квадрат на белом фоне является, по сути, символом тоски. Сам Малевич пояснял концепцию своего первого «Чёрного квадрата», что «квадрат — чувство, белое пространство — пустота за этим чувством». Ксана Бланк приходит к выводу, что, как и в рассказе Толстого, красный квадрат на белом фоне графически изображает страх смерти и пустоты.
Черный крест, 1915 год, холст, масло, Центр Помпиду, Париж
«Чёрный крест» был написан в 1915 году для выставки футуристов «0,10». В 1923 году для XVI Биеннале в Венеции, которая прошла в 1924 году, учениками Малевича были написаны новые варианты «Чёрного креста», «Чёрного квадрата» и «Чёрного круга», которые сейчас хранятся в Государственном Русском музее.
Эта работа попала к коллекционеру, Николаю Харджиеву. В 1977 году эту и другие супрематические картины у него украл шведский литературовед. Через 3 года он продал «Черный крест» Центру Помпиду в Париже за 4,5 млн франков. Продажа была совершена незаконно, через подставное лицо – все оформили как «дар» американского фонда, помогающего финансово развивать культурные проекты во Франции.
Белое на белом, 1918 год, масло, холст, Нью-Йоркский музей современного искусства, США
Картина также принадлежит к стилю супрематизм, дополняя два предыдущих квадрата – черный и красный. Написана двумя оттенками белого цвета.
Работа впервые была показана на персональной Х Государственной выставке «Беспредметное творчество и супрематизм» в Москве весной 1919 года. В 1927 году «Белый квадрат» показывался на выставке в Берлине, после которой он так и остался на Западе, где она была и остается популярной.
Черный круг, 1923 год, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Черный круг является символом неустойчивости, подвижности. И Малевич очень часто использовал прием передачи движения на картинах, применяя круг в сочетании с другими супрематическими геометрическими элементами и их направленным положением относительно круга. В данном случае, наряду с крестом и квадратом, картина с черным кругом является возвращением и упрочнением позиции супрематизма, прежде всего, в глазах самого художника.
Скачет красная конница, 1928-1932 годы, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Картина долгое время была единственной из абстрактных работ художника, признаваемая официальной историей советского искусства, чему способствовало её название и изображение событий Октябрьской революции. Малевич поставил на обратной стороне дату 18 года, хотя на самом деле она была написана позже.
Белый супрематический крест, 1920-1927 годы, масло, холст, Городской музей Стеделек, Амстердам
«Белый крест» был создан в период с 1920 по 1927 года (точная датировка разнится). В 1927 году после выставки в Берлине, где выставлялась картина, Малевич доверил её берлинскому архитектору Хуго Херингу. В 1958 году «Белый крест» вместе с другими полотнами Малевича был приобретён Амстердамским музеем у вдовы Хуго Херинга.
4 января 1997 года московский художник Александр Бренер под видом обычного посетителя прошёл к картинам Малевича в Амстердамском музее и нарисовал на «Белом кресте» зелёной краской из баллончика знак доллара. Своей акцией Бренер выразил протест против коммерциализации искусства, когда произведения становятся эквивалентами различных сумм денег.
Спортсмены, 1931 год, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Фигуры в картине «Спортсмены» всецело подчинены задаче цветовой и ритмической организации композиции, отчужденной от реального смысла бытия и направленной на концентрацию собственных динамики и энергии, преодолевающих категории времени и пространства.
Цветовое и композиционное построение холста подчинено принципам симметрии, безликость персонажей призвана подчеркнуть глобальное космическое восприятие мира, представление автора о сверхличностной сущности искусства, никак не зависящей от индивидуальности ни художника, ни зрителя.
Точильщик, 1912 год, масло, холст, Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен, США
В основе композиции – колесо, которое художник изначально хотел визуально «раскрутить». Прослеживается влияние итальянского футуризма, проявившееся во множестве пальцев, прижимающих нож к колесу и ступней, нажимающих на педаль.
В повторениях бесчисленно раздробленных контуров и силуэтов, оказывающихся в неуловимую долю времени как бы в разных точках пространства, в стальном серо-голубом колорите, контрастно оттенённом ржавыми пятнами цвета, и заключается «принцип мелькания», которого добивался Малевич и вынес этот термин в подзаголовок картины.
В 1920-х годах Малевич отправил картину на Первую русскую выставку (сначала она проходит в Берлине, затем в Амстердаме). На этой выставке картину купила нью-йоркская художница Катерина Дрейер и увезла в США. Судя по всему, в 1941 году она передала «Точильщика» в дар художественной галерее Йельского университета, где картина хранится поныне.
Голова крестьянской девушки, 1913 год, масло, холст, Стеделек музей, Амстердам
Картина замыкает первый крестьянский цикл работ Малевича. В ней соединены абстрактное и изобразительное. В картинах этой серии, цилиндры и конусы всё больше обособлялись от человеческих образов. Фигуры подчинялись собственным пульсации и логике в пространственном расположении, рифмуясь или контрастируя друг с другом. Композиция больше тяготела к сложной пластической партитуре, насыщенной ритмическими повторами и столкновениями или мягкими созвучиями красок и линий.
Дальше всего в этом стремлении Малевич зашёл в «Голове крестьянской девушки», где он уравнял по цвету и фактуре фон, лицо, платок, одежду, разложив их на строгие геометрические конусообразные фигуры, из которых собирается условное изображение головы, которое как бы уподоблено цветку розы со свёртывающимися лепестками по краям бутона-лица.
Голова крестьянина, 1929 год, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Нового крестьянина Малевича едва ли можно назвать счастливым или умиротворенным. Его судьба незавидна и горька, как и судьба великого множества деревенских жителей в те годы.
За спиной героя картины видны силуэты сельских построек, над которыми кружат птицы, а с другой стороны полотна к ним неумолимо приближаются самолеты, как некие предвестники опасности. Ощущение тоски и безысходности подчеркивается скорбным выражением глаз крестьянина, отсылающим нас к иконописным традициям (как и вся композиция полотна). Кроме того, Малевич будто бы лишает своего героя голоса, закрывая его рот бородой, как непроницаемой повязкой. В будущих картинах художник начнет и вовсе обезличивать крестьян, оставляя на месте их лиц пустые овалы.
Автопортрет, 1933 год, масло, холст, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Малевич изображает себя в одеянии венецианского дожа – так называли выборного главу Венецианской республики. На картине собраны геометрические фигуры и характерные для художника цвета – белый, черный, красный, зеленый. Фон белый, а фигура служит центром супрематического полотна.
Малевич предстаёт перед зрителями своего последнего автопортрета творцом, обладателем высшего знания и высшей воли, демиургом, диктующим миру свой закон, художником, непокорным историческим силам времени, выпавшего на его земную долю.
На жатву (Марфа и Ванька), 1928-1929 годы, холст, масло, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Тематика этой картины соответствует работам первого крестьянского цикла художника. Если сравнивать с ранним, досупрематическим циклом, то в поздних картинах появился горизонт, пространство обрело ясно членимое развитие, закреплённое геометрически-декоративной разработкой полосатой земли. Фигуры, скроенные из неких выгнутых жёстких плоскостей, своими цветовыми сопоставлениями напоминают о локальной раскраске супрематических геометрических элементов.
Дровосек, 1912 год, масло, холст, Городской музей Стеделек, Амстердам
На картине изображена механизированная фигура, с поднятыми руками, готовая нанести удар, в напряженной неподвижности. Бревна, наваленные за ним, кажутся собранными серией падений, образующих механические винтики машины. Из игры образованных таким образом кругов и цилиндров возникает мощный механический эффект, усиленный металлизированными цветами, образующими контрастную мозаику. Древесина — суть русской крестьянской культуры. Живопись условно «машинизирована», и в этом произведении уже обнаруживаются ростки русского конструктивизма 1920 года.
Англичанин в Москве, 1914 год, холст, масло, Городской музей Стеделек, Амстердам
Малевич в своем произведении передает ощущения иностранного гражданина, очутившегося в Москве.Весь комплекс чувств был передан художником: сабля, селедка, свечи, соборы на фоне лица иностранца – бесформенные фигуры насыщенных цветов – все это подчеркнуто буквами, складывающимися в слова: «Частичное затемнение». Относились ли они к личным ощущениям иностранца, разом вкусившего все особенности Российской столицы, или это было связано с надвигавшейся машиной первой мировой, как бы то ни было, картина очень точно передает ощущения человека, попавшего в непривычную обстановку.
Супрематическая композиция, 1916 год, холст, масло, частная коллекция
Другое название — синий прямоугольник поверх красного луча. Эта картина удивительной судьбы. Она волшебным образом просочилась сквозь советский железный занавес, чудом избежала фашистских аутодафе, побывала за океаном, пережила кровопролитные судебные тяжбы и, в конце концов, оказалась на аукционе Sotheby’s, став одним из самых (а, скорее всего, самым) дорогим произведением в истории русского искусства.
Ученицы (Три фигуры), Анна Лепорская
Картина Анны Лепорской «Три фигуры» на выставке «Мир как беспредметность. Рождение нового искусства» в Ельцин Центре. До повреждения. Фото: Ельцин Центр.
Картина Анны Лепорской «Три фигуры» (1932–1934) из коллекции Государственной Третьяковской галереи, предоставленная на выставку «Мир как беспредметность. Рождение нового искусства» в екатеринбургский фонд «Президентский центр Б.Н.Ельцина» стала широко известна после скандала с вандализмом.
Это картина ученицы Малевича, которая вызвала ажиотаж после того, как охранник Ельцин-центра подрисовал шариковой ручкой глаза на лицах фигур.
Утро после вьюги в деревне, 1912 год, масло, холст, бумага, музей Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк, США
Приехав в 1927 году на Большую берлинскую художественную выставку, Малевич продает эту картину за 2000 рублей – огромные деньги для художника, едва сводившего концы с концами. К слову, денег на билет в Европу ему пришлось просить у государства, иначе он собирался пойти в Европу пешком, что привело бы к огласке, чего совсем не хотели власти. Искусствоведы считают, что на создание этой картины, Малевича вдохновили Камиль Писсаро, Фернан Леже и Поль Сезанн.
Натюрморт, 1911 год, акварель, гуашь, бумага, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
Работа из раннего периода, когда художник еще пробовал себя в разных стилях и жанрах, ища свой собственный. Натюрморт выполнен близко к технике клуазоне – это французский стиль росписи, в котором большие, зачастую однородные пятна цвета, замыкаются черными жирными линиями. Некоторые, называют ранние работы художника, «нормальными картинами», не узнав историю другого периода в творчестве Малевича.
Женщина с граблями, 1931 год, масло, холст, Государственная Третьяковская галерея, Москва
Картина из второго крестьянского цикла художника, который возник потому, что картины из первого цикла, участвовавшие в выставке за границей, так там и остались, а для новой выставки пришлось писать новые работы.
Интересный факт — Малевич не только был художником, но и создавал эскизы для тканей:
По эскизам Малевича и Александры Экстер (художницы и дизайнера) мастерицы села Вербовка делали вышивки. Вышивали платки, скатерти и подушки, а потом продавали их на ярмарках. Такие вышивки особенно популярными были на ярмарках в Берлине.
А еще на заводе фарфора в Петрограде по эскизам Малевича и его учеников украшали столовые и чайные сервизы:
Произведения Малевича до сих пор приводят к жарким спорам и дискуссиям, но одно отрицать нельзя – если о нем до сих пор говорят, если его искусство живо и дает вдохновения новым поколениям художников, значит есть в нем великое, пусть и не всем понятное.
А вы как считаете?
Источник фото: Википедия, Артархив
